Star Wars- Il Risveglio della Forza [spoiler, quando ce vò ce vò]

Ciao gente! Eh, chi lo avrebbe mai detto. Sì, torno a scribacchiare sul cinema (dopo accurata meditazione) e lo faccio per il film del momento: Star Wars – Il risveglio della Forza; o per gli integralisti dei titoli originali The Force awakens. Vi avviso della presenza di spoiler in questa recensione, per cui se non avete visto il film e non volete rovinarvi la sorpresa, non proseguite questa lettura (ma mi farebbe piacere se la vorreste riprendere una volta visto il film 😀 )

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Come tutti ormai ben sanno a causa dei mesi e mesi di bombardamento mediatico cui siamo stati sottoposti, si tratta del settimo capitolo della celeberrima saga ideata da George Lucas negli anni 70 (il primo film uscì nel 1977) e proseguita con un’altra saga prequel nei primi anni duemila; questo film dà così il via a una terza trilogia, che porterà a nove il numero complessivo dei film: gli altri due prossimi capitoli usciranno infatti nel 2017 e nel 2019.

Questa trilogia parte da Jakku, pianeta dell’orlo esterno, su cui vive Rey, la nuova eroina mercante di rottami qui introdotta per la prima volta, trent’anni dopo le vicende conclusasi ne Il ritorno dello Jedi.

Nella Galassia si è insediata una nuova forma di potere assoluto: il Primo Ordine, superamento dei Sith e dell’Impero, il cui scopo rimane però quello di distruggere la democrazia all’interno della Galassia per portare al potere il Lato Oscuro, combattendo con la solita Resistenza capitanata dall’ex principessa ora generale Leila Organa, che ricordiamo essere sorella di Luke Skywalker, nonché figlia del cattivo dei cattivi Darth Vader. Il cavaliere Jedi Luke si è ritirato (stile Maestro Yoda per intenderci), non si sa bene su quale sistema nascosto della Galassia, e tutti lo cercano, per contrastare la presa di potere del Primo Ordine e dei suoi nuovi cattivi, il Leader Supremo Snoke e il suo braccio destro Kylo Ren, che nel frattempo progettano una super-Morte Nera da usare come arma contro la Resistenza.

Rey incontra per caso il droide BB8 – vagante del deserto di Jakku, droide che contiene informazioni fondamentali per il reperimento di Skywalker e di proprietà di uno dei capi della Resistenza, Poe, il cui compito era di consegnarlo agli organi centrali della Resistenza e quindi a Leila Organa. Ma Poe è vittima di un incidente e l’unico in grado di portare avanti la sua missione è Finn, guardia imperiale Stormtrooper ribelle, che aveva aiutato all’inizio del film il pilota Poe a liberarsi dopo essere caduto nelle mani imperiali. Finn e Rey si incontrano così nel deserto, portando avanti la missione di Poe e aiutando così il simpaticissimo nuovo droide.

Ora che ho riassunto in modo più o meno caotico la trama, se non ve ne eravate già accorti prima, vi invito a riflettere sul fatto che seriamente la sceneggiatura sia un mero rifacimento dell’episodio IV (il primo del 77, per intenderci!). C’è tutto: l’Impero – Primo Ordine, la Resistenza, il cattivone con la maschera Darth Vader-Kylo Ren, c’è la sbarbatella Rey che ha tutto l’attitude naif di Luke Skywalker. Il più “nuovo” è a tutti gli effetti lo stormtrooper subalterno disertore Finn, per quanto ancora rimanga più un personaggio di servizio che una personalità a tutto tondo. Poi ci sono loro: i vecchi protagonisti. Torna Leila Organa, interpretata da Carrie Fisher (che peccato che riesca a muovere solamente il labbro inferiore per dire le battute però!); tornano Han Solo (Harrison Ford) e il wookiee Chewbecca (sempre interpretato anche lui dallo storico gigante buono Peter Mayhew), col loro Millennium Falcon. Tornano anche i due droidi che ci hanno accompagnato per ben sei film, C3PO e R2, anche se meno simpatici del solito; torna, alla fine del film, anche Luke Skywalker (un bellissimo e super charming Mark Hamill).
Per quanto invecchiati e un po’ zoppicanti, non si può certo negare il fascino di ritrovare dopo tanto tempo le stesse facce di trent’anni fa, questa scelta unanime di nuova partecipazione alla saga dà un senso di continuità all’opera che le rende sicuramente in credibilità e serve a reggere una storia che si annuncia importante, e di certo ancora soltanto accennata.

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Il film in sé per sé questo è: un inizio, e col botto.
Le scene d’azione si rincorrono una dopo l’altra, pochi i momenti in cui si riesce a calmarci e pensare e prender fiato da una vicenda fittissima di avvenimenti e di personaggi a cavallo tra il vecchio e il nuovo.

E approposito di personaggi, vorrei qui aprire una discussione su quello di Kylo Ren, il nuovo cattivo-sosia di Darth Vader, interpretato da Adam Driver ormai sulla cresta dell’onda.
Kylo è un cavaliere di Ren, una sorta di nuovo ordine Sith ricostituito con il Primo Ordine e rispondente ai comandi del Leader Supremo Snoke. E’ il figlio di Leila e di Han Solo, e venne educato alla Forza dallo zio Luke, che intendeva così ricostituire l’ordine dei Jedi. Ma Kylo, che porta il vero nome di Ben Solo, nutre un’ossessione per la figura del nonno Anakin Skywalker/ Darth Vader e per le sue gesta nel Lato Oscuro della Forza, anche Ben ne viene così affascinato tanto da tradire e uccidere i suoi compagni Jedi e schierarsi dal Lato Oscuro, provocando il ritiro di Luke Skywalker.
Ma nel film è palese la sua attrazione verso il lato positivo della Forza, al contrario del nonno. E’ un personaggio tormentato, che si svelerà probabilmente molto di più nei prossimi episodi. Un personaggio ancora in formazione che a mio avviso interpreta in modo impeccabile Adam Driver, faccia giovane e accattivante, un volto che esprime un tormento potente, quasi una rabbia adolescenziale portata ai massimi livelli, è ciò che a mio avviso caratterizzerà maggiormente questo personaggio nei prossimi episodi. Un personaggio che adesso è colpevole, che si è macchiato di un delitto che lo ha direttamente scansato dalla mia classifica personale dei cattivi dopo Scar del Re Leone (se vi ricordate chi faceva fuori Scar, e il trauma infantile che vi ha provocato…).

La nota dolente va al passaggio al timone di questo baraccone galattico itinerante: l’entrata JJ. Abrams alla regia al posto del nostro George Lucas sembra più traumatica del previsto. Ci eravamo già abituati ad altri registi al posto di Lucas nella direzione dei film: già l’Impero colpisce ancora e Il ritorno dello Jedi non erano diretti da Lucas, ma rispettivamente da Irvin Kershner e da Richard Marquand. Ma qui è diverso. I primi due vivevano a tutti gli effetti all’ombra del maestro Lucas, qui Abrams, come da titoli di testa, si basa su personaggi inventati da George Lucas, ma la produzione è Disney, (che ha acquisito la LucasFilm nel 2012) e lo si percepisce in ogni fotogramma, oltre che nella fastidiosa baracca imbastita per l’occasione tra gadget e advertising. Non dimentichiamo che Star Wars versione “originale” anni 70 fu una scommessa, un’intuizione per la quale Lucas si ipotecò la casa, l’invenzione del post-western, la fantascienza pop che diventò di culto negli anni 80. Questa è la riproposizione di quel mondo, un’operazione finemente commerciale, un film industriale a tutti gli effetti, costato 200 milioni di dollari, va da sé che quindi, in teoria, sia pensato per piacere ad ogni tipo di pubblico, dai bambini agli anziani (il IV film, primo in ordine cronologico, Una nuova speranza, era costato circa 11 milioni).
Da qui tutte le falle del film: una sceneggiatura a tratti incerta, che cade in delle battute ridicole e incespica in alcuni buchi evidenti, come quello della mancanza di ogni necessità di addestramento alla Forza nei personaggi di Rey e Finn. E approposito di Rey e Finn: una buona dose di “buonismo” alla Disney nella scelta di una donna e di un personaggio di colore, non di certo sbagliata, ma talmente ben oculata da cadere nel furbetto. Tornando al nostro JJ. Abrams, è un regista che incarna la nuova-nuova Hollywood, che si nutre di quella vecchia come Hollywood ha sempre fatto coi suoi periodi d’oro. Aveva già fatto Mission Impossible, Star Trek, Super 8, ed è forse maggiormente celebre per essere il pensatore maghetto dietro la serie televisiva Lost. Le eco televisive si fanno infatti molto sentire dentro questa saga, a partire dal montaggio frenetico che non ha nulla dei tempi lunghi e spesso paesaggistici di Lucas; le stesse eco rendono tuttavia più godibili e leggibili in senso narrativo le numerosissime scene d’azione, che altrimenti potevano risultare ripetitive; si finisce tuttavia nel cliché televisivo per eccellenza, la serialità, che ci dà la voglia di scoprire e conoscere di nuovo il più saggio Luke Skywalker sulla sua isola avvicinato da Rey, ci priva del piacere della sua conoscenza con gli efferati titoli di coda subito dopo, ci rimanda non alla prossima settimana come faceva con Lost, ma a tra due anni, costringendoci a chiudere questa nostra discussione con i puntini di sospensione…

 

…al 2017.

 

 

 

fonte importantissima per questo articolo: la Jawapedia!

 

 

non scrivo più ma il cinema lo guardo ancora

motivi di tempo

del fatto che col passare del tempo si intuisce il relativismo di certe posizioni

e la non necessità di esprimere la propria per forza

non ho ricevuto molte critiche

neanche molte lodi

ma ora come ora non saprei dare una forma ordinata ai pensieri che mi scatena la visione di un film incredibile come Youth di Sorrentino per dirne uno degli ultimi usciti.

Rifuggo la presunzione che vedo in troppa gente.

Se mi tornerà voglia e capacità di ridare forma alle sensazioni e al piacere

sarete i primi a saperlo

grazie della lettura

Irenewatches

Godzilla / controrecensione (!spoiler!)

Irene è lieta di avere un ospite nel suo piccolo blog, un buon appassionato di film d’uso e consumo, dai supereroi ai mostri: questa è la controrecensione di Godzilla di Rafael Cejas. La mia la potete rileggere qui se volete.

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Assistiamo da alcuni anni alla rinascita del cosiddetto kaiju cinema, una categoria specifica di film nei quali le storie vedono sempre protagonisti immensi mostri, che minacciano il destino dell’umanità. Oltre allo stesso Godzilla -precursore del genere- abbiamo potuto vedere The Host (Joon-ho Bong, 2006), Cloverfield (J.J. Abrams, 2008), il remake di King Kong (Peter Jackson, 2005), Super 8 (ancora una volta J.J. Abrams, 2011) o Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013), tra tante altre.

Come si spiega il nostro amore per i mostri? I kaiju sono catastrofi naturali, normalmente una rivincita della natura contro l’ambizione dell’uomo. Tranne alcuni esempi, come l’invasione aliena di Pacific Rim, gli attacchi dei kaiju sono normalmente provocati dagli stessi umani: la distruzione del loro habitat, esperimenti chimici o genetici o prove nucleari. Dobbiamo subire la loro forza come una punizione divina. Come facciamo a odiarli, quando sono soltanto delle vittime?

Anzi, senza rendercene conto, finiamo per sentire simpatia per i mostri. Nel loro mistero troviamo un senso di brutale bellezza.

Non c’è bisogno di presentare Godzilla. Nato originalmente come una rappresentazione dei pericoli delle armi nucleari, in un Giappone ancora traumatizzato dagli avvenimenti di Hiroshima e Nagasaki; è diventato un’autentica figura pop e uno dei personaggi più apprezzati dai fans della fantascienza o del cinema in generale. L’anteriore versione di Godzilla fatta negli USA (Roland Emmerich, 1998) fu un’opera odiata in maniera unanime per il suo tradimento nei confronti delle caratteristiche del personaggio.

Per questa ragione, c’erano motivi di preoccupazione con il reboot della saga. Ma i fan possiamo rimanere tranquilli. Godzilla trionfa laddove Cloverfield (J.J. Abrams, 2008) aveva fallito previamente: i personaggi umani sono, magari consapevolmente, completamente vuoti e tradizionali. Nessuno si preoccupa per il loro destino, tutti aspettano l’apparizione dal nostro carismatico lucertolone. Il regista, saggiamente, ci proporziona la sua presenza in piccole dosi, in attesa dal climax finale.

 

Tutti gli intenti dell’umanità, rappresentati dall’epitome della potenza e l’arroganza, l’esercito degli Stati Uniti, falliscono uno dopo l’altro. Non si può lottare contro i MUTO (acronimo di Massive Unidentified Terrestrial Organism), un paio di insetti giganti avidi d’energia nucleare e che riescono, attraverso scariche elettro-magnetiche, ad inutilizzare tutta la tecnologia intorno a loro. Sono i MUTO i simboli della stessa umanità, dell’industrializzazione, del complesso industriale-militare? E Godzilla in questo caso, sarebbe l’immagine della natura, della terra o del proprio Dio?

La scena finale non delude, e ci proporziona ciò che si era andato a vedere. I personaggi umani passano in secondo piano, lasciando il palcoscenico ai veri protagonisti, i mostri. Ciò che ci lascia più dubbi è sicuramente il piano finale, un piccolo gioiello trash: Godzilla si rialza dopo la durissima battaglia, tra gli sguardi di sorpresa, gioia e ringraziamento dei cittadini di San Francisco. Addirittura, nel telegiornale si scrive “Godzilla, savior of our city”. L’amore per i kaiju non conosce frontiere.

Liebster Award: discover new blogs!

ImmagineRingrazio Antonio, del bellissimo cine-blog Sunset Boulevard e rispondo alle domande che mi ha rivolto; dopodiché nominerò a mia volta 10 blogger che dovranno (ovviamente se vogliono) rispondere alle mie domande 🙂

Le domande di Antonio:

Una personale definizione di cinema

Il cinema è arte, ma è anche divertimento, evasione, è condivisione e discussione, è relazione agli spazi vitali, è una summa dell’attività umana: meccanica, pittura, scultura, psicologia, letteratura etc.

Ti attira ancora l’idea di un film visto nel buio di una sala cinematografica, anche “vissuta” (dagli sgranocchia popcorn ad oltranza,ai vari commenti fuori luogo per scene gradite o meno) o sei fra coloro che prediligono una visione domestica (pigiamone di flanella, birra ghiacciata e frittatona di cipolle, stile Fantozzi), spaparanzato sul divano di casa?

Entrambe le cose. Certo, sono una di quelli che prediligono il silenzio in sala al culto del cinema del passato con la gente che rispondeva agli attori stile Nuovo cinema paradiso… Ma, come dico nella mia presentazione, il cinema è la sala, è spettacolo collettivo, senza la sala non esisterebbe, non avrebbe la stessa magia.

Un autore cinematografico sopravalutato …

Per certi versi tanti “grandi” sono secondo me a volte sopravvalutati, insomma si tende a dare risalto solo alle loro cinematografie lasciando da parte altre di registi ugualmente meritevoli. In tal senso mi viene in mente Kubrick, ad esempio, nonostante il suo 2001 sia uno dei miei film preferiti in assoluto, o Hitchcock, un genio, sì, ma anche molto osannato dalla Nouvelle Vague e per questo portato alla ribalta tanto che per molti solo il suo nome si associa alla figura del regista.

… ed uno sottovalutato

Billy Wilder. Non ‘sottovalutato’ in senso pesante, ovviamente, però spesso il suo genio non è riconosciuto come dovrebbe, spacciandolo solo per regista di commediette anni 60.

Una breve considerazione sul cinema italiano, magari pensando più all’abbandono dei vari generi, commedia a parte, che al cinema d’autore propriamente detto.
Cosa manca ancora per ritrovare i fasti di un tempo?

Manca l’educazione cinematografica nell’italiano medio: abbiamo Fellini, tutti lo conoscono di nome, nessuno (o quasi) ha mai avuto voglia di vedere La dolce vita. Abbiamo Antonioni, e nessuno lo sa. E’ chiaro che niente progredisce se non Checco Zalone. Io non sono una di quelli che ce l’hanno con Christian De Sica o con Zalone, per i vari cinepanettoni etc: sono un genere, hanno diritto di esistere, anzi, sono divertenti, ci rappresentano, è inutile negarlo, tra 20 anni saranno sicuramente studiati nei corsi di cinema. Mi chiedo solo: perché solo loro? E’ vero, vendono, ma chiaramente se non ci sono alternative……

Ed ora passiamo al cinema straniero, americano in particolare, noti qualche nuova ispirazione oppure ritieni che vi sia una riproposizione di schemi già noti e rodati?

Assolutamente ci sono molte ispirazioni. Anche lì stesso discorso che per il cinema italiano: di americano per lo più passano le grosse produzioni coi mostri e i supereroi, ma almeno qui qualche grosso nome che chiama la gente in sala ce l’abbiamo, Tarantino, Cronenberg, Nolan, ad esempio.

Un autore/attore italiano che vorresti vedere più attivo…

Nanni Moretti, probabilmente. Come attore Valerio Mastandrea…no, scherzo.

…ed uno straniero

Terence Malick…

La distribuzione in Italia: privilegiati i soliti idio… ehm, pardon, i soliti noti?

Ho già detto più o meno quello che avevo da dire a riguardo.

Domanda finale “animata”: siamo tutti Paperino?

Non ho capito la domanda, non credo di conoscere troppo bene il carattere di Paperino per poter fare un discorso articolato a riguardo.

 

Le mie nomination sono:

Manuel Mitola e il suo Comunicatori Futuri

Lo spazio musicale Hark Ken di Brandy

Un blog per le web series, Le Flocon Rouge di Alessia

Galleggiante, personalissimo blogdi Cioppy

Seppa, anche se non scrive più, può essere un buon momento per ricominciare

Gli appunt’attenti di Amalia nel suo Bricolage

L’ultimo blog che ho followato, quello di KikiAsmr Fragments of the mind

Il cavallo di troia

Rosanconspine

 

Le mie domande per questi blogger sono:

– Sei soddisfatto del tuo blog?

– Leggere o scrivere?

– Quanto è importante la parte grafica a tuo parere?

– Il cinema è arte o è intrattenimento?

– Hai avuto qualche critica? Se sì, come l’hai affrontata?

– Ansia da aggiornamento del blog sì o no?

– I tuoi conoscenti “reali” conoscono il tuo blog?

– Domanda infame: Pensi che a volte i tuoi contenuti vadano buttati al vento?

 

Ciao e a presto!

Irene

 

 

 

Godzilla is love (!!spoiler alert!!)

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Di nuovo Godzilla. Un mito della mia infanzia: quello del 1998 aveva plagiato talmente me e i miei amichetti da farci giocare a fuggire dal mostro nel cortile delle elementari durante la ricreazione.

Certo, a un primo sguardo niente sembra diverso, lo stesso action-movie, la stessa carica, in definitiva un film di mero inutile intrattenimento.

Ma a guardare bene, le differenze con la versione di Emmerich ci sono, eccome. Innanzi tutto, il lucertolone non è un T-Rex natante che lo fa sembrare uscito da Jurassic Park ma un vero e proprio lucertolone, molto più somigliante a quello della versione originale del 1954, quella di Ishiro Honda, risposta giapponese ai deliri statunitensi di King Kong: anche i suoi poteri sono molto più simili all’originale, come quel raggio blu che gli esce dalle fauci.

La retorica che ci si aspetta da un film del genere, specie se made in the super-hollywood è la stessa che anni e anni di Emmerich ci ha insegnato: patria, famiglia, i valori della costituzione americana, di una nazione che salva il mondo intero sull’orlo di una catastrofe naturale per mezzo di un suo messo divino, più spesso incarnato in uomini dalle possenti braccia americane o in sfigati scienziati come Broderick nel già citato del ’98.

Qui non mancano questi elementi: c’è la famiglia, figlioletto e mogliettina indifesa ma lavoratrice (duplice figura della Binoche e della Olsen), cui l’eroe non ha neanche il tempo di dare due bacetti per via dell’incombente minaccia; c’è la patria, il sergente Brody protagonista è un marine specializzato in disinnescamento bombe che farebbe di tutto per salvare la sua adorata San Francisco. Eppure, nonostante la presenza di queste costanti, qualcosa non torna: i mostri sono tre, oltre al lucertolone del titolo ci sono due ragnetti chiamati Mutu, i parassiti di Godzilla, che si cibano di armi nucleari, misterioso impianto tra natura e tecnologia bellica, riescono a disattivare qualsiasi cosa elettronica gli si avvicini. Elettronici, appunto, non naturali. La risposta artificiale alla sovrannaturalità di Godzilla è ciò che rischia di mandare al tracollo l’intera America: non la natura, l’artificiosità (la prima città americana distrutta è guardacaso Las Vegas, città artificiale per eccellenza, sorta dal nulla in mezzo al deserto).

Godzilla is God, dice a un certo punto la scienziata, ed è questo che sembrano dirci anche gli sceneggiatori, in un delirio di disaster-movie combinato a retorica ambientalista e anti-uomo e anti-eroica: non è l’eroe (Taylor-Johson) che salva tutti, né tantomeno lo scienziato sfortunato (Bryan Cranston), è la Natura incarnata dal mostro, sua creatura, che ristabilisce l’ordine intaccato dall’essere umano con l’uso della forza nucleare.

Elementi riflessivi questi forse un po’ fuori luogo ma decisamente più intelligenti del semplicistico messaggio fascistoide “Viva l’America, nostra salvatrice” che lanciava il precedente film: non a caso il film si chiude con il telegiornale che titola “Viva Godzilla, il nostro salvatore”.

Concludo il delirio dicendo che, ancora una volta, il 3D è veramente inutile, e la soundtrack fa schifo.

https://www.youtube.com/watch?v=rx7uPbEcUvw

Nymph()maniac pt.1, se non fosse abbastanza chiaro

Grazie Lapo che ci distribuisci queste chicche nordiche e riesci anche grazie ai vari taglietti e tagliettini (dai quali Lars Von prende chiaramente le distanze, tuttavia, fosse mai che lui voglia che qualcuno vada a vedere un suo film) a fargli beccare solo un VM14 nonostante un paio di scene really hot. Grazie Lapo, davvero: oltretutto tra volume 1 e 2 finirò per spenderci una quindicina di euro.

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Scherzi a parte, il nuovo film di Lars Von Trier sembra seguire la nuova formula – dopo quella Dogma – del suo cinema: prendi Charlotte Gainsbourg, deprimila, inserisci qualche scena forte e una buona colonna sonora et voilà. Ma Charlotte è sempre fantastica da Antichrist e Melancholia, e il regista danese sembra capace di cucirle addosso sempre un ruolo nuovo anche se sempre perfettamente nelle sue corde: certo, in questa prima parte si vede poco la nostra cara francese ma di certo non credo che mancherà di sorprenderci nella seconda. Il resto del cast è altalenante: ottime le prove di Uma Thurman nel ruolo di Mrs.H e di Shia LaBeouf in quello dell’unico personaggio ad avere un nome completo insieme alla protagonista, Jerome; meno brava anche se assolutamente non pessima la Joe giovane, interpretata dall’esordiente Stacy Martin.

Von Trier scala un attimo la marcia e dopo la denuncia del male del mondo e la sua distruzione fa un film su ciò che il mondo lo riesce a far ruotare: il sesso. Certo, non è un film solo sul sesso, e forse per questo mi ha lasciato un po’ delusa (colpa del trailer in effetti…): avrei preferito che ci si limitasse a raccontare piuttosto che moralizzare (per quanto moralizzatore Lars possa essere…), ma lo dice la stessa Joe a Stellan Skarsgard che la trova sanguinante in un vicolo: “questa storia avrà una morale”.

Insomma, più che un porno patinato un drammaticissimo film sulla dipendenza dal sesso (stavolta da parte di una donna, dopo quella maschile raccontata da Steve McQueen in Shame), con qualche intermezzo gratuito come fotogrammi di peni che avranno fatto storcere il naso ai più: certo, è chiaro: sono messi lì per far risvegliare lo spettatore, per scandalizzarlo, per la solita necessità di shokkare così tipica di questo regista, ma forse i più si sono dimenticati cosa già facesse intravedere Bergman nel 1966 con Persona… E allora di certo questo sembrerà la solita minestra riscaldata, anche se con un po’ di estro in più.

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Il film punta ad essere mentale, elevato intellettualmente, nella classica pretenziosità alla Von T, anche se talvolta risulta ridondante specie nei riferimenti spiattellati alla botanica o alla fine arte della pesca; tutto è molto didascalico: dalla lettura freudiana del rapporto con il padre e con la madre (un evidente complesso di Elettra), come se il regista fosse talmente fiero delle sue fini sottigliezze da voler dire allo spettatore “hai capito? perché se non l’hai fatto te lo spiego meglio”. Insomma un’assoluta ridondanza di elementi, quando già ne avevamo a sufficienza se ci si fosse limitati alla mera esposizione dei fatti, l’atto sessuale non solo mostrato ma anche palesemente metaforizzato, in maniera esagerata, e quindi svuotato di significato, qualsiasi esso possa essere, anche se la stessa Gainsbourg che racconta la sua storia sembra volerci cogliere eccome del senso profondo,  ed anche il suo interlocutore (cornice, questa, che del resto ho apprezzato poco finora, anche se forse avrà più senso una volta vista la 2°parte): da qui alla noia nelle parti non di “azione”, il passo è breve.

Da segnalare il momento paraculo: avete presente quando Von Trier a Cannes 2012, alla conferenza stampa di presentazione di Melancholia si lanciò in un’invettiva contro gli Ebrei dicendo in pratica che il Nazismo non era poi così male? (bè, se non lo ricordate rinfrescatevi la memoria qui perché vale la pena anche solo per la faccia di Kristen Dunst). Ecco, tenetelo presente quando quasi all’inizio del film il personaggio di Skarsgard (dal nome ebraico di Seligman) parlerà delle sue origini e del suo rapporto con gli Ebrei… dialogo che per altro riassume un po’ tutto il film: didascalico e un po’ paraculo.

Anche se la scena iniziale sugli squallidi vicoletti colmi d’umori nevosi e d’improvviso Fuhre Mich dei Rammstein che rimbomba fa comunque intendere che dietro tutta questa baracconata la mano è solida. Del resto, Lars ha già fatto esplodere il globo, che altro può fare di così malvagio…